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Discography: Contemporary / Jazz / Classical / Modern Classical / Electronic

38.) CHILI ON THE DANCEFLOOR (DJ Fengur, 2023, ff030, EAN 0660989989415, ATF412303001-12) RELEASE MARCH 23!

Doctor G's first release, electronic dance music to chill and relax. See also "VIDEOS"!

 37.) DIGIMANIA (Werner Kodytek - voice, Georg Weidinger - piano, voice & electronics; 2023, ff029, EAN 0660989989408, ATF41232303001-12)

 Werner Kodytek, voice, and Georg Weidinger, piano, double bass, electronics, backing vocals, concept, met on 4th of January 2023 in Georg's studio in order to jam. The next day Georg created some cuts and put some extra-sounds on the music in his computer. The result is a spherical, jazzy, acoustic music with dominant influence of the digital world. Enjoy!

 36.) FIRST CONTACT (Werner Kodytek - voice, Georg Weidinger - piano & electronics; 2022, ff028, EAN 0660989989392, ATF412202801-0)

Werner and Georg, their first contact in music.

Werner Kodytek, Stimme, und Georg Weidinger, Klavier und Electronics, begegnen sich zum ersten mal. Dies ist die Aufnahme dieser Begegnung im Jahre 2022.

35.) WEINBERG 99 (Adelhard Roidinger - double bass, Georg Weidinger - piano; JAZZ, 2022, ff026, EAN 0660989989378, ATF412202601-09)

Recorded 1999 in "Studio Weinberg" in Oberösterreich, newly cut and mastered.

34.) SINFONIA No 2 "FANFARA" (Georg Weidinger, Contemporary, 2021, ff025, 0660989989361, ATF412102501-13), release digital on 1st of February 2021

Listen and undestand! Yours Georg W. 

33.) LONDON CALLING (GEORG WEIDINGER TRIO, Jazz, 2020/21, ff024, 0660989989354, ATF412102401-14), release digital and as Audio-CD: 1st of January 2021

Als Student und um Geld zu verdienen spielte Georg Weidinger für viele Jahre als „One Man Jazz Trio“ bei verschiedenen Veranstaltungen und Betriebsfeierlichkeiten: Die Finger bedienten die Tastatur eines Keyboards oder eines Klaviers, die Füße sprangen auf einem elektronischen Orgel-Basspedal herum und die Drums kamen von der Elektronik. Mehr als 20 Jahre später, nach Ausflügen in die Klassik und die moderne Komposition, dem Solo-Klavier sowie dem Duo- und Trio-Spiel mit verschiedensten Musikern und Besetzungen, kehrt er als „One-Man“ zu dem Klavier-Trio-Klang zurück. Aber diesmal steht das perfekte Zusammenspiel, der improvisatorische Spielwitz und die formale Komposition im Vordergrund. Dabei begibt sich Georg Weidinger auf eine Reise durch die Jazzszene Londons, einer Stadt, die ihm viel Liebe und tiefe Freundschaften geschenkt hat. Der Bassist Adelhard Roidinger fasst seine Erfahrung mit Georg Weidinger so zusammen: „Mit dir kann ich so gut Jazz spielen, weil du kein Jazzer bist ...!“ Viel Freude mit diesem bunten „Ruf aus London“ ...!

As a student and to earn money, Georg Weidinger played for many years as the “One Man Jazz Trio” at various events and company celebrations: The fingers operated the keys of a keyboard or a piano, the feet jumped around on an electronic organ bass pedal and the drums came from electronics. More than 20 years later, after excursions into classical and modern composition, the solo piano as well as the duo and trio playing with various musicians and line-ups, he returns as a "one-man" to the piano trio sound. But this time, the focus is on the perfect interplay, the improvisational joy and the formal composition. Georg Weidinger embarks on a journey through the jazz scene of London, a city that has given him a lot of love and deep friendships. The bassist Adelhard Roidinger sums up his experience with Georg Weidinger as follows: “I can play jazz so well with you because you are not a jazz musician ...!” Have fun with this inspiring “Call from London”!

32.) BEHIND THE SILENCE (GEORG WEIDINGER TRIO, 2020, ff023, 0660989989347,  ATF412002301-12), release digital and as Audio-CD: 14th of December 2020

2020 brachte die Corona-Pandemie die Welt zum Stocken und vieles zum Stillstand. So auch in der Musikwelt. Monatelang konnten keine Konzerte stattfinden. Musiker waren von einem auf den anderen Tag arbeitslos und existentiell bedroht. Viele zogen sich zurück, um in der Stille der eigenen vier Wände Konzerte zu geben, ohne Publikum, ohne gehört zu werden, Musik für all die Menschen draußen in ihren vier Wänden. In diesem Kontext ist die Entstehung der vorliegenden Aufnahme von Dezember 2020 zu verstehen: Georg Weidinger, ein „Live-Musiker“, spielte dieses „Konzert ohne Publikum“ in seinen vier Studiowänden, und das gleich dreimal: einmal mit seinem realen Klavier, dann mit dem Computer-Kontrabass und dann mit dem Computer-Schlagzeug. Im Computer übereinandergeschichtet, entstand das Georg Weidinger Trio in Personalunion, immer auf der Suche nach der neuen Stille, die sich in unserer Welt breit gemacht hat. „Live“ deshalb, weil jeder Track genauso zu hören ist, wie er entstanden war, mit all den Schrägheiten, Spitzen und Kanten eines Live-Konzerts, ein Konzert, das so nie hätte stattfinden können … Im letzten Stück kommt noch eine „Loop-Maschine“ zum Einsatz, um das hohe Spiel des Kontrabasses live zu einem Ensemble werden zu lassen. Jazz-Musik für unsere neue Zeit … 

In 2020 the corona pandemic shocked the world and brought many things to a standstill. The same was true in the music world. No concerts could take place for months. From one day to the next, musicians were unemployed and existentially threatened. Many withdrew to give concerts in the quiet of their own four walls, without an audience, without being heard, music for all the people in the outside, staying in their own four walls. The creation of this recording from December 2020 is to be understood in this context: Georg Weidinger, a “live musician”, played this “concert without an audience” three times within his four studio walls: once with his real piano, then with his computer-double bass and then with his computer-drums. Layered on top of each other in the computer, the Georg Weidinger Trio was created in personal union, always looking for the new silence that has spread in our world. “Live” because every track can be heard exactly as it was created, with all the peaks and edges of a live concert. A concert, that could never have happened in the real world … In the last piece, a “loop machine” is used to let the high playing of the double bass become a string ensemble in a live-setting. Jazz music for our new times ...

31.) MOZART PLUS (Klaviermusik von Mozart und Weidinger, 2020, ff022, 0660989989330, ATF412002201-20), release digital and as Audio-CD April 2020

Mit Montag, den 16. März 2020, trat in Österreich eine Ausgangsbeschränkung wegen der gerade explodierenden Corona-Krise in Kraft. Schulen und Universitäten schlossen ihre Pforten. Unsere Kinder blieben zu Hause. Alle Geschäfte, bis auf jene des Lebensmittelhandels, sperrten zu. Wir mussten unsere TCM-Praxis zumachen. Und blieben zu Hause. Soziale Kontakte waren zu 100 Prozent untersagt. Als Krankenschwester und Arzt verlegten meine Frau Sandra und ich unsere Beratungstätigkeit ins Internet, was uns wochenlang mehrere Stunden pro Tag beschäftigte. Und wir warteten. Und plötzlich hatte ich Zeit, für die Musik Zeit, unverhofft, aber seelisch notwendig, um die Klausur auch seelisch zu überstehen. Mozart war die Rettung, Mozart mit seiner positiven Grundstimmung, mit seiner Kraft und seiner Klarheit. So durfte ich täglich mehrere Stunden mit ihm am Klavier verbringen. Und als ich die Werke in meinem eigenen Studio aufgenommen hatte, ließen mich ein paar Motive einfach nicht mehr los. Denen stellte ich mich am Klavier, nahm auch diese Konfrontation auf und unterlegte sie am Computer mit orchestralen Klängen. Und weil sich meine Frau gleich in diese „Mozart-Splitter“ verliebt hatte, setzte ich noch eine ganze CD mit Mozart-Splittern drauf ...! Zeit war ja genügend vorhanden, ein Luxus, der sich sonst in unserem vollen Leben selten bietet. Ich kann mich gut an meine Klavierlehrerin im Internat erinnern, wie sie mir, ich war zwölf, die d-Moll-Fantasie näherbrachte. Oft verwickelte ich sie in interpretatorische Fragen, um nicht eingestehen zu müssen, dass ich wieder nicht geübt hatte ... Mit sechzehn Jahren meine weitere Begegnung mit Mozart: die c-Moll-Fantasie. Meine damalige Lehrerin Christiane Karajeva spielte mir das Werk in einer für mich unfassbaren Perfektion vor, sodass ich mich fortan kaum getraute, vor ihr die Tasten anzuschlagen ... Die A-Dur-Sonate musste ich einfach einspielen. Zu oft hatte ich sie im Konzert gehört, zu oft war ich gelangweilt von den Variationen im ersten Satz, was wohl an meiner Ungeduld lag, endlich „Alla Turca“ zu hören, wie die meisten im Publikum. So habe ich die Wiederholung des zweiten Teiles aller Variationen weggelassen, weil die Reprise des Themas sowieso im zweiten Teil enthalten ist und einen schönen Barform-artigen Bogen ohne Wiederholung spannt. Ich hoffe, ich konnte die Schönheit gerade der Variationen einfangen. Mozart hat sich meine Ungeduld nicht verdient ... Die C-Dur-Sonate KV 545 ist für mich der Inbegriff von Mozart. Eine Offenbarung beim Üben war für mich der zweite Satz. Das Thema und seine Entwicklung berühren mich tief. Nach jeder Sonate oder Fantasie kommt ein Mozart-Splitter von mir, welcher ein markantes Thema der vorangegangenen Sonate oder Fantasie verarbeitet. Ich hoffe Ihnen dadurch einen neuen Blickwinkel auf das Mozart-Werk zu ermöglichen! Viel Freude beim Hören und Entdecken! Georg Weidinger, Forchtenstein am 3. April 2020

30.) OBSESSIVE PIANO III (Klavier solo, 2019, ff020, EAN, 0660989989316, ISBN ATF411902001-13), release digital 2019

Recorded on the 13th of July 2019, 13 pieces evolved. From really experimental to really smooth. Jazz can be so much. Here it is. Enjoy! www.klaviermusik.at

29.) LAUFHAUS.Buchmusik (Musik zum gleichnamigen Buch mit Werken von A. Skrjabin, G. Weidinger, F. Schubert, F. Chopin, E. Satie, 2019, ff019, ISBN 9783966980395, ATF411901901-13), release digital and as Audio-CD 2019

LAUFHAUS – BUCHMUSIK Entsprechend dem Verlauf des Romans „LAUFHAUS“ von Georg Weidinger bildet die Live-Aufnahme des Konzerts vom 11. November 1983 im Großen Musikvereinssaal, gespielt von Adalbert Mankovski, einen Teil der CD. Im anderen Teil hört man Alfred Kovalski am Klavier mit Chopin, Satie und Kovalski und zwei seiner Kompositionen für Orchester ... Die Audio-CD „LAUFHAUS-BUCHMUSIK“ fügt den Worten des Romans und Ihren persönlichen Bildern im Kopf noch den Original-Soundtrack dazu. Dabei ist Georg Weidinger Interpret am Klavier von Werken von Alexander Skrjabin, Franz Schubert, Eric Satie, Frédéric Chopin und Georg Weidinger, und er ist Komponist der Melodien des Romans, wie dem „Aurelia-Motiv“, sowie der Orchesterklänge. Im beigefügten Booklet sind die Querverbindungen des Romans mit den jeweiligen Musikstücken ausführlich dargestellt. Georg Weidinger schafft mit dem Großprojekt LAUFHAUS das, wovon der Komponist Alexander Skrjabin, der eine große Rolle sowohl in dem Roman als auch auf der Audio-CD spielt, geträumt hat: Die Verschmelzung der Musik mit verschiedensten Sinneseindrücken und Wahrnehmungen, das Auflösen im Strom der Zeit ...

28.) DISTROFIA (Sinfonia No 1, für Chor und Orchester in drei Sätzen und sechzehn Bildern von G. Weidinger, 2019, ff018, ISBN ATF411901801-16. EAN 0660989989309), release digital  30.06.2019

Das  ganze Orchester und der Chor, deformierend und entstellend, Vierteltöne als Blick zwischen die Dinge, deformiert und wuchernd, 3 Sätze: I. „Das Gesicht des Wahnsinns“ (Volto Di Follia) in zwölf Bildern (immagine 1-12),  II. „Der Friede der Erinnerung“ (Pace Della Memoria) als Klarheit, schön, aber nicht real, kurz nur der Fokus zurück im Sein, dann der Sog  der III. „Bilder des Finales“ (Immagini Della Finale) in drei Bildern (immagine 1-3). So geht es einem, wenn man die Zügel des Verstandes loslässt und die Pferde davon galoppieren. Mussorgsky und Strawinsky lachen mit!

The whole orchestra and the choir, deforming and disfiguring, quarter tones as a view between things, deformed and proliferating, 3 parts: I. "The face of madness" (Volto di Follia) in twelve pictures (immagine 1-12), II. "The peace of memory" (Pace Della Memoria) as clarity, beautiful, but not real, in short, only the focus back in being, then the suction of the III. "Pictures of the Final" (Immagini Della Finale) in three pictures (immagine 1-3). That's what happens when you let go of the reins of the mind and the horses gallop away. Mussorgsky and Strawinsky participate in our laughter!

1.   

27.) STRING QUARTET I & II (Streichquartett No I & II, 2019, ff017, ISBN ATF411901701-07, EAN 0660989989293), release digital 16.06.2019

Zwei Streichquartette, geschrieben 2019 an ein paar Regentagen im Mai, auf dieser Aufnahme selbst realisiert mit den Samples der Vienna Symphonic Library Musiker.

Im ersten Quartett konzentriert sich jeder Satz um einen zentralen Ton, baut sich kleine Cluster, mit Vorliebe im Intervall einer kleinen Terz, aber nicht nur. Vier Sätze: Satz I: Nocturno („Nachtstück“), II. Attacco („Angriff“), III. Vita Di Campagna („das Leben auf dem Land“), IV. Zanzara („Stechmücke“). 

Das zweite Quartett liebt die Quint und genießt die akribisch ausgearbeiteten rhythmischen Strukturen … Drei Sätze: Satz I: Andante Con Delicatezza („schreitend mit Zartheit“), Satz II: Sostenuto Calmo („gehalten mit Ruhe“), Satz III: Allegro Nervoso („nervös laufend“).

Two strings quartets, written 2019 on rainy days in Mai, realized on this recording with samples of the Vienna Symphonic Library – musicians.

In the first quartet each movement focuses on a "central tone", building small harmonic clusters, mainly in the interval of a small TERZ (third). Four parts: Part I: Nocturno („night piece“), Part II: Attacco („attack“), Part III: Vita Di Campagna („countryside life“), Part IV: Zanzara („mosquito“).

The second quartet "loves" the QUINT (fifth) and enjoys the meticulously metric patterns … Three parts: Part I: Andante Con Delicatezza („Andante with delicacy“, Part II: Sostenuto Calmo („sustained calm“), Part III: Allegro Nervoso („nervous Allegro“).

26.) GAMES OF ORCHESTRA, Season One,(Orchesterstücke von G. Weidinger, 2019, ff016, ISBN ATF411901601-10, EAN 0660989989286), digital release 8. Juni 2019

In der „Vienna Symphonic Library“, dem Sample-Pool eines in Wien ansässigen forschungsorientierten Unternehmens, spielen hervorragende Musiker in Wien alle Instrumente des Orchesters mit allen Artikulationsmöglichkeiten in allen dynamischen Abstufungen in den Computer ein, sodass man diese Einzeltöne dann in neuem Kontext zusammenbauen kann, sodass ein neues Orchester mit eben diesen Musikern im eigenen Computer entsteht. Das, was Sie hören, sind reale Klänge realer Musiker aus den besten Orchestern Wiens, aber von mir in meinem Computer als neue Kompositionen arrangiert. Die Musik ist von mir, die Klänge leihe ich mir von diesen wunderbaren Musikern. Und so muss ich nicht, wie der amerikanische Komponist Morton Feldman es so treffend formuliert hat, durchschnittlich sieben Jahre warten, bis ich endlich meine geschriebene Musik zu Gehör bekomme. UND ich kann musikalisch alles ausprobieren, ohne reale Menschen damit zu quälen. UND wenn dann reale Musiker meine Musik auf einer realen Orchesterbühne vor physisch anwesendem Publikum zum Besten geben, können diese sicher sein, dass die Musik von mir perfekt ausgehört wurde.  

Früher, bis zu meinem „ersten Einrücken“ als Arzt ins Spital, habe ich nur auf Auftrag und nur für mir persönlich bekannte Musiker Musik geschrieben, die dann auch bald aufgeführt worden ist. Aber mein Arzt-Sein hat meiner Komponistenkarriere eine jähe Zäsur verpasst. Nach ein paar Jahren sechzig bis hundert Stunden pro Woche Arbeit im Spital waren all die mir aus dem Studium bekannten Musikkollegen in alle Winde zerstreut. Zurückgeworfen auf mich selbst habe ich dann jahrelang nur für Klavier geschrieben.

Aber nun, mit den Möglichkeiten des „Computerorchesters“, kann ich meinen musikalischen Kokon verlassen und einen neuerlichen Anlauf als Komponist nehmen, zumal ich nicht vor habe, nun nach all den Jahren doch noch für die Schublade zu schreiben und Feldmans sieben Jahre zu erbetteln. UND Sie können die Musik JETZT SOFORT hören.

Wenn Sie die „Games of Orchestra“ von eins bis zehn verfolgen, sehen Sie eine Entwicklung und die zeigt auch meine persönliche Entwicklung, von ein bisschen moderneren Klängen (aber nicht so richtig, die reine Freitonalität lasse ich einmal außen vorbei ziehen ...) über romantische Töne und Klangflächen bis zu Jazzeinflüssen. Und so gerne ich die wirklich experimentelle Musik habe, möchte ich derzeit nur Musik machen, die ich selbst mehrmals anhören möchte, und da tu ich mir bei der experimentellen Musik gerade schwer ... Das kann sich ja wieder ändern!

Im Moment ist mir wichtig, dass man meine Freude und meinen Spaß an der Musik hört. So kann beides dann auf Sie überspringen. Musik hören ist nicht viel anders als Musik erfinden. Unterm Strich sollen wunderbare unvergessliche Momente entstehen.

Ich hoffe, das ist mir mit meinen „Orchesterspielen“ ein bisschen gelungen. Und wenn das so ist, ganz wunderbar oder aber noch nicht ganz, na dann wird es sicher nach dieser „ersten Staffel“ die zweite und vielleicht sogar die dritte geben. Entscheiden tun die Hörer, also Sie und ich, und ob wir weiter Zeit in diese Musik investieren wollen, wir beide, Sie als Hörer und ich als Schreiber und Interpret.

In diesem Sinne wünsche ich Ihnen viele gute Momente mit meiner Musik und bitte lassen Sie mich wissen, ob es Ihnen gefällt. Die Medien dafür sind ja mittlerweile vielfältig ...!

Ihr

Georg Weidinger

In the "Vienna Symphonic Library", the sample pool of a research-oriented company based in Vienna, outstanding musicians in Vienna play all instruments of the orchestra with all articulation possibilities in all dynamic gradations into the computer, so that one can then assemble these individual tones in a new context, so that a new orchestra with precisely these musicians is created in one's own computer. What you hear are real sounds of real musicians from the best orchestras in Vienna, but arranged by me in my computer as new compositions. The music is my creation and as an interpreter I borrow the sounds from these wonderful musicians. And so, as the American composer Morton Feldman so aptly put it, I don't have to wait an average of seven years until I finally hear my written music …!

AND I can try everything musically without torturing real people with it! AND when real musicians perform my music on a real orchestra stage in front of a physically present audience, they can be sure that the music was perfectly heard by me before.

In the past, up to my “first entry" as a doctor into the hospital, I only wrote music on commission and for musicians I knew personally, which was soon performed. But being a doctor has given my career as a composer a sudden break. After a few years of working sixty to one hundred hours a week in the hospital, all the music colleagues I knew from my studies were scattered to the winds. Thrown back on myself for years I wrote only for the piano, my “home“-instrument.

But now, with the possibilities of the “computer orchestra", I can leave my musical cocoon and make another attempt as a composer, especially since I don't intend to write for the drawer after all these years and beg for Feldman’s seven years … AND you can listen to the music NOW!

If you follow the “Games of Orchestra" from one to ten, you will see a development, which also shows my personal development, from a bit more modern sounds (but not really, the pure free tonality I let pass on the outside . . . ) over romantic tones and sound surfaces to jazz influences. And as much as I like really experimental music, at the moment I only want to make music that I would like to listen to by myself for several times, and I have a hard time with experimental music right now … That can change again every day …!

At the moment it is important to me that you can hear my joy and fun while making music. So both can then jump over to you! Listening to music is not much different to inventing music. The bottom line is to create wonderful unforgettable moments.

I hope that I have succeeded a little with my “orchestral games". And if that is so, quite so or not yet completely, well then there will certainly be the second and perhaps even the third season. It is you, the listener, and I, who decide and whether we want to invest more time in this music, both of us, you as a listener and I as a writer and performer.

In this sense I wish you many good moments with my music and please let me know if you like it. Thank you!

Yours

Georg Weidinger

25.) new digital edition: VIENNA CONCERT (ff015, 2019, ISBN ATF410001501-08, EAN 0660989989279)

For information see below 5.) VIENNA CONCERT 2000 (ex 476-2, 2000)

24.) new digital edition: BRIGHT SIDE (ff014, 2019, ISBN ATF410901401-07, EAN 0660989989262)

For information see below: 9.) BRIGHT SIDE (ORF-CD, 2009) 

23.) new digital edition: QUIET NIGHTS (ff005, 2019, ISBN ATF410400501-10, EAN 0660989989255) 

For information see below: 7.) QUIET NIGHTS (ORF-CD 377, 2004)

22.) DER KLANG DER MITTE (Klavier- und Ensemblewerke von G. Weidinger, als CD zusammen mit dem Buch erhältlich, digital), (ff013, 2019, ISBN ATF411901301-16, EAN 0660989989248), release digital and as Audio-CD 2019

21.) SONATA (WA Mozart: Sonate in F-Dur KV 332, F Schubert: Sonate in a-Moll D 784, G Weidinger: Sonata in B), (klaviermusik.at, ff012, 2019, EAN 0660989989231), release digital and as Audio-CD 2019

Meine Mitte finde ich, wenn ich Stücke von Komponisten spiele, die ich verstehe. Mozart in seiner Verspieltheit verstehe ich. Ein Österreicher. Schubert in seiner wienerischen Melancholie verstehe ich. Ein Österreicher. Meist verstehe ich auch, was ich selbst spiele. Ein Österreicher. Uns vereint die Sprache und die Art zu denken. Uns vereint das Land, mit seinem Klima und seinen Menschen. Uns vereint die Sprache der Musik. Uns vereint der Drang, unsere Gefühle auszudrücken und verstanden zu werden. Jeder in seiner Zeit, jeder auf seine Art, so verschieden und doch so gleich. Das Klavier unsere Heimat, die Musik unser Ausdruck, das Publikum unsere Hoffnung ...

GW

20.) REQUIEM für Franziska (klaviermusik.at, ff011, 2018, EAN 0635131911613), release digital and as Audio-CD 2018

Booklet-Text „Requiem“

Franziska Helmreich, alias Franzl, eine liebe Freundin und Wegbegleiterin der letzten nun schon fast zwanzig Jahre, zeitweilige Heimatgeberin für meinen Flügel in verworrenen Lebenszeiten, Ideen- und Inspirationsgeberin für die großartigsten und konsequenterweise nie realisierten Projekte, personifizierte Schulter zum Anlehnen und immer alles Verstehende, nie böse werdende ewige gute Seele, wollte von mir ein Requiem, eine Totenmesse, aber nicht, weil sie vor hat oder hatte, in nächster Zeit zu versterben, sondern, weil sie sicher gehen wollte, dass sie dieses auch zu Lebzeiten hören würde. Warum sollten sich nur die Trauernden bei ihrer Totenfeier der Musik erfreuen? Was hätte dann sie davon? Also, liebe Franzl, hier Dein Requiem! Wie geht man nun als heute lebender Komponist mit so einem Auftrag um, wenn nicht gerade ein Orchester, ein großer Chor und mehrere Solisten gleichzeitig vor der eigenen Haustür Schlange stehen, um endlich etwas Großes von einem aufzuführen, und das in einem großen Saal inklusive einer Orgel und eines Konzertflügels? Erstens kann man „Requiem“ als Metapher für „irgendeine Musik, die man zu einer Totenfeier, wahrscheinlich auch einer nicht-katholischen, spielen kann“, sehen, ähnlich den für eine Hammond-Orgel transkribierten und genau auf dieser dargebotenen Pop-Songs für den Einmarsch in die Kirche bei der Hochzeit oder den von Gitarre begleiteten Gesängen von Freunden und Angehörigen bei einer Tauffeier. Zweitens gibt es die Lösung, einen Interpreten zu wählen, der bei jeder oben genannten Feier anwesend oder leicht organisierbar ist: die Stereo-Anlage zu Hause oder die PA-Anlage in größeren Räumen oder Sälen, wobei PA für „Public Address“ steht, und das wiederum bedeutet eine Beschallungsanlage, die zur Wiedergabe von Musik oder Sprache für ein Publikum dient. Die Stereo- und die PA-Anlage mit ihren Boxen sind die Interpreten von aufgezeichneter Musik, wie man sie auf CDs hat oder auf Computern speichert. Aus Kostengründen und weil Franzl ja nichts davon hätte, wenn ich ihr die geschriebenen Noten für ebendieses große Chor-Orchester-Orgel-Klavier-Werk in die Hand drücken würde, entschied ich mich für die CD als Medium dieses Requiems. Der Vorteil liegt auf der Hand: Nicht nur Franzl hört die Musik, wenn sie diese auflegt, nein, auch Sie zu Hause können sich nun dieses Werk anhören! Und dann ging ich ans Werk und überlegte einmal: Was kann ich an Instrumenten selber spielen und aufnehmen? Da wären einmal das Klavier, das Cello, die Gitarre, die eigene Stimme, Flöten, Schlagwerk, Synthesizer, alles in meinem Klavierstudiozimmer vorhanden und bereit für Aufnahmen. Alles weiter Benötigte, wie weitere Streicher, Holzbläser, Chor, Sopran- und Tenorstimme, Geräusche, konnte ich bei Freunden und Bekannten aufnehmen beziehungsweise mit dem Computer generieren. Der Computer war sozusagen der Ort, wo sich dann alles traf: die akustischen Klänge ebenso wie die synthetischen Klänge, die modernen Rhythmen ebenso wie alle heute möglichen Effekte, welche natürlicherweise nicht vorkommen, wie Verzerrung (kennt man seit Jimi Hendrix auf seiner Gitarre ...), welche natürlicherweise nur als Tinnitus, Ohrgeräusch, existiert, Hall, Echo oder klangverändernde Algorithmen. Sobald mein gesamtes Orchester angetreten war, konnte ich beginnen zu schreiben, als Noten, als Skizzen, als konzeptionelle Improvisationen, und das dann Stimme für Stimme am Computer in ein Programm eingeben, was optisch auch einer Partitur sehr nahe kommt, mit dem Vorteil, dass, wenn ich auf „Play“ drücke, auch gleich die Musik erklingt. Was für eine Offenbarung das für einen heutigen Komponisten ist, die Musik nicht einfach nur als Noten zu schreiben, sondern sie dann gleich auch hören zu können! Es eröffnet uns unendlich viele Möglichkeiten. Das, was wir Komponisten alle wollen, ist, unsere Vorstellung von einem Klang und einem Musikstück umzusetzen. Nicht selten hatte ich als Kompositionsstudent Aufträge von merkwürdig zusammengewürfelten Ensembles (wie vier Querflöten und ein Klavier, mikrotonales Blechbläserquintett), weil es genau für solche Besetzungen keine oder wenig Literatur gibt. Wenn es dann so weit war, dass die Musiker mein Stück spielen konnten, war der Moment gekommen, um meine Vorstellung, die ich davor beim Schreiben gehabt hatte, zu überprüfen. Oft war ich überrascht, wie wunderschön das klingt, was aber vielleicht gar nicht meiner ursprünglichen Vorstellung entsprochen hatte, oder es war einfach nur furchtbar ...! Mit dem Computer kann ich alles ausprobieren und dadurch ständig meine Vorstellungen erweitern, ohne einen einzigen Musiker zu quälen! Und wenn ich dann für „reale“ Musiker schreibe, können diese sicher sein, dass das Stück durchgehört ist und funktioniert ... Ein Requiem zu schreiben macht etwas mit einem selbst, zumindest mit mir: Unweigerlich muss man sich mit dem Sterben und dem Tod beschäftigen, und da habe ich als Arzt einen gewissen „Heimvorteil“. Auch wenn es in meinem ärztlichen Beruf um die Leiden anderer geht, hinterfragt man seine eigene Existenz ganz anders, erkennt man den unschätzbaren Wert des Lebens und weiß um den Wert der Zeit. So muss ich immer wieder an einen „neunzigsten“ Geburtstag denken, zu dem mich eine Patientin eingeladen hat: Es war die gemeinsame Geburtstagsfeier von ihr zu ihrem Dreißiger und ihrem Vater zu seinem Sechziger. Bei seiner Rede sagte der Vater: „Ich verstehe das gar nicht, dass ich jetzt hier stehe und meinen sechzigsten Geburtstag feiere. Eigentlich war ich doch gerade noch ein junger Bub ... Wo ist all die Zeit hin verschwunden ...?“ Dieses Requiem zu schreiben, auch wenn es für Franzl war, war etwas sehr Persönliches. Ich habe für mich selbst geschaut, was wichtig war in meinem Leben, welche Themen, welche Art von Musik, was hat mich berührt und was geprägt, welche Gefühle waren entscheidend, welche Vorstellungen. So sind diese sieben Sätze entstanden, die man grob in zwei Teile unterteilen kann: 1.) Vita, lateinisch für „das Leben“, mit den Sätzen Gloria, Miserere, Credo; 2.) Post vitam, lateinisch für „nach dem Leben“, mit den Sätzen In pace, In aeternum, Cor, Lux. Ich halte mich bei dieser Einteilung nicht an die klassische Liturgie der katholischen Kirche, sondern beschreibe sieben Zustände, die meines Erachtens ganz wichtig sind in unserem Leben: 1.) Gloria (ID 1) steht für Ruhm und Ehre und meint in der Liturgie die Ehre Gottes und die Herrlichkeit der Schöpfung Gottes und damit der Schönheit unserer Welt. Dieses Strahlen soll in der Musik ausgedrückt werden, ebenso wie die reine Kraft, für Ruhm und Ehre zu leben und zu sterben (heute würde man vielleicht den Begriff der Anerkennung und der Akzeptanz nehmen). 2.) Miserere (mei, Deus, ID 2), „erbarme Dich meiner, Gott“, spricht die Barmherzigkeit und das Mitleid, traditionell Gottes, an und meint auch, uns Menschen aus dem Elend der Sünde und des Weltlichen zu befreien. Das Leid im Leben zu meistern ist wohl eine der großen Herausforderungen des menschlichen Lebens, auch das Leid, im Sterben sich von allem Irdischen frei zu machen und Menschen, Gefühle, Materielles und sein eigenes Sein loszulassen. 3.) Credo (unum deum, ID 3), „ich glaube an den einen Gott“, spricht das Glaubensbekenntnis der christlichen Kirche an, meint hier aber im übertragenen Sinne den Glauben allgemein, den man im Leben braucht, um nicht zu verzweifeln, um Vertrauen in sich und die Welt aufzubauen. Der Glaube inkludiert die Hoffnung, dass man auch schwierige Situationen des Lebens meistert und übersteht, und auch, dass es nach dem irdischen Leben in irgendeiner Form weitergeht und dass das eigene Leben einen Sinn im Gesamtverbund des Universums gehabt hat. Gloria und Credo liegt musikalisch meine eigene Stimme, in Elektronik verfangen, verzerrt und rhythmisiert, zugrunde. Die eigene Stimme ist wohl unser persönlichstes Instrument, das auch die persönliche Verbundenheit in diesem Werk ausdrückt. Das Fundament des Miserere ist mein Klavierspiel mit meditativen, schnellen Tonfolgen am unteren Ende der Klavierskala. Das Credo mag gar nicht enden, trotz all der „Verzerrungen“ und Zwischenklänge (des Lebens). Trotz der Zweifel und des Leids gewinnen der Glaube und die Hoffnung, sodass der irdische Tod überwunden wird und Frieden einkehrt. In pace (ID 4) bedeutet aus dem Lateinischen übersetzt „in Frieden“ und leitet musikalisch den zweiten Teil, „Post vitam“, nach dem (irdischen) Leben, ein. Der Tod ist eine Pforte „woandershin“. Je nach Konfession und weltanschaulicher Ausrichtung ist das „Danach“ entweder mehr  bildhaft (wie „Himmel“ in der christlichen Religion oder „Walhalla“ bei den Wikingern) oder zuständlich (das große Eins, das TAO, in der chinesischen Tradition oder das alles umfassende Nichts, das Nirvana in der indischen Tradition) beschrieben. Immer lassen wir beim Durchschreiten dieses Tores alles Irdische, wie auch die Schmerzen und das Leid, zurück, sodass Friede und Klarheit, wie man es auch oft bei gestorbenen Menschen in ihrem Gesicht sieht, entstehen. Musikalisch verwende ich ein einfaches Quart- und Quint-Thema, das ich durch alle vier Sätze in einfacher thematischer Arbeit wandern lasse und am Ende in Quintfolgen in die Höhe auflöse. In aeternum (ID 5), „in Ewigkeit“, festigt den Frieden und bringt ihn quasi in eine Schleife, mit sich immer wiederholenden gleichen Tönen und musikalischen Motiven, um das Gefühl der Ewigkeit zu erzeugen. Cor (ID6), lateinisch für „Herz“, steht für all die Freude und den Sinn und das wunderbare Feuer des Herzens, das wir in unserem Leben erfahren durften. Mein persönliches Cor ist das Klavierspiel, sodass ich hier ein Solo-Klavierstück geschrieben habe, welches von dem „Post vitam“-Thema lebt und sich mehr und mehr in die Freiheit und die Höhe begibt, ganz so, als ob es wegschweben würde, um dann direkt in den letzten Satz, Lux (aeterna, ID7), das (ewige) Licht, den klassischen letzten Teil einer Requiemkomposition, überzugehen. Am Anfang dieses Satzes „hört man“ das Licht, wie es knistert und Wärme spendet, in der Mitte gibt ein befreiender D-Dur-Dreiklang alle Spektren des Lichts frei und wandert gegen Ende über das gehauchte Spiel der Streicher an der Quint-Leiter immer höher und höher.

Vielleicht geben Ihnen meine Worte ein paar Anregungen, wie man dieses Werk hören kann. Im Prinzip brauchen Sie diese Worte nicht, da ich die Hoffnung habe, dass meine Musik direkt mit Ihrem Herzen spricht! Und wenn ich noch eine Botschaft anhängen darf, dann jene, dass man keine Furcht vor dem Tod zu haben braucht und dass man bitte nicht seine wertvolle Lebenszeit an die Angst verschwendet, einmal krank zu werden und sterben zu müssen. Das Gegenteil von Angst ist Vertrauen. Wenden Sie sich dem Vertrauen zu, nicht der Angst, geben Sie ihr keinen Platz, dann kann der wunderschöne lateinische Satz, von dem das Wort „Requiem“ abgeleitet ist, wahr werden: „Requiem aeternam dona ei, Domine: et lux perpetuat luceat ei.“ Die ewige Ruhe schenke ihm, Herr: Und das ewige Licht leuchte ihm. (English version of this text coming soon!)

Georg Weidinger, 4. April 2018

19.) Blüten der Romantik (Klavierwerke von Boulanger, Chopin, Debussy, Ravel, Satie, Schubert, Schumann), (klaviermusik.at, ff010, 2018, EAN 0635131911620), release digital and as Audio-CD 2018

Eine Musiker-Geschichte (Booklet-Text)

„Das Leben ist das, was einem passiert, während man auf die Erfüllung seiner Träume wartet“. Als Kind wollte ich „Geschichtenerzähler“ werden. Ich träumte davon, dass mir andere zuhören und sich von mir in andere Welten entführen lassen. Meine Legasthenie stand mir da im Wege, nicht, dass ich deshalb nicht erzählend schreiben konnte, sondern deshalb, weil meine Lehrer immer sagten, dass, so wie ICH schreibe, ich wohl nie ein Schreiberling werden könnte. Naja, dann wenigstens Musik machen und schreiben war meine vorläufige Lösung. Ich war sieben Jahre alt, als meine Klavierlehrerin mein Talent erkannte, dass ich alle Töne, die sie am Klavier anschlug, benennen konnte, von der Tonhöhe her. Das gefiel ihr derart, dass sie Eltern anderer Schüler einlud, um ihnen mein Kunststück vorzuführen. Absolutes oder nicht absolutes Gehör, ganz egal, es verschaffte mir den Vorteil, dass ich fortan nicht mehr wirklich üben musste: Zu groß war der Stein im Brett, den ich bei meiner Lehrerin hatte. Außerdem war ich noch immer damit beschäftigt, alle Boogie-Woogies und Blues, welche mein Vater zu Hause von sich gab, zu üben und zu lernen, was übrigens mit zehn Jahren in einen absoluten Boogie- und Blues-Hass umschlug. Ich zog es dann vor, vor allem Bartók und für meine Eltern vergleichbar befremdliche Stücke zu spielen, wohl als erste vorpubertäre Auflehnung gegen das nicht minder befremdliche Elternhaus. Und der Stein im Brett? Er führte dazu, dass ich nicht wirklich üben musste! Das Wohlwollen meiner Klavierlehrerin war mir gewiss! Auch entwickelte ich eine zunehmende Sturheit, was meine Art zu spielen anging. Ich hatte ja keine Ahnung, wie was zu spielen war, glaubte es aber zu haben und vertrat es vehement, immer mit dem Hintergedanken, zu verschleiern, dass ich nicht geübt hatte. So waren die Klavierstunden vollgefüllt mit eigentlich sinnlosen weil haltlosen Diskussionen über Interpretationen von Stücken, die ich nicht beherrschte. Dem befremdlichen Elternhaus durch das Internat noch weiter entrückt erhielt ich eine Klavierlehrerin zugeteilt, mit der ich dachte, meine Interpretationsarroganzen weiter fortführen zu können, was bis zu einem gewissen Punkt auch gelang. Jedoch war der Stein im Brett weg und ich sollte nun regelmäßig das Klavierspiel üben. Vor einem von meiner Lehrerin geplanten „wichtigen“ Vorspiel erreichten mein Übungspensum und meine Dehnungsbemühungen, in Schumannscher Manier die Finger in unnatürlicher Weise zu größeren Griffen zu zwingen, Ausmaße, die meine bereits fundierten autodidaktisch-medizinischen Erkenntnisse – Kind eines Ärztehaushaltes und Selbstheilungsasthmatiker –  aufs Tapet riefen, und wobei ich meiner Lehrerin meine Tendovaginits der rechten Unterarmstrecksehnen, überlastungsbedingt,  vorwurfsvoll und mitleiderregend zur Schau stellte. Durch neuerlichen Schulwechsel und „verletzungsbedingt“ entging ich endlich dem Plan meiner Lehrerinnen, aus mir einen Pianisten zu machen. Abfällig sprach ich, nun doch schon vierzehnjährig, von den Interpreten, zumal ich mich als Komponist definierte und lieber seitenweise Klavierstücke auf leere Notenblätter kritzelte. Bei anderen hingen wohl Bilder von Rockbands und Popmusikern im Zimmer, bei mir Darstellungen von Franz Schubert. Wie sehr spürte ich sein Leid,  wie groß war der Wunsch ihm nachzueifern, also in Bezug auf den sintflutartigen Schaffensdrang, nicht in Bezug auf seinen syphilitischen Gesundheitszustand. Mein Asthma, welches von Jahr zu Jahr stärker wurde, erleichterte es mir, mich mehr und mehr von Menschen zurückzuziehen, mich in meiner selbstkonstruierten Welt der Komposition zu verlieren und mein „Klavierzimmer“ zu meinem Universum zu erklären. Mit 15 Jahren „erfand“ ich die Ganztonleiter und war zunächst unendlich enttäuscht, dass Debussy 100 Jahre davor diese auch schon gefunden hatte. Doch seine Musik erweiterte mir meinen Horizont unendlich und ich machte mich mehr und mehr auf die Suche nach den neuen Klängen, den neuen Möglichkeiten, musikalische Gedanken und Stimmungen auszudrücken. Musik sollte berühren, dachte ich, und romantische Musik, beginnend mit Schubert, berührte mich sehr. Doch die Sprache war alt und verbraucht, so dachten wir jungen Komponisten damals alle, und so fand ich neue Wege, unter anderem in meiner „Geräuschmusik“, bei der ich ständig mit einem Bandaufnahmegerät herumlief und einfach alles, was mir akustisch begegnete, aufnahm. Meine daraus komponierten Stücke, wenn ich dann doch einmal mein Kämmerchen verließ und sie jemandem vorspielte, erzeugten Befremdung und nicht, wie erhofft, tiefe Gefühle und prägten wohl meine ersten Nicht-Erfahrungen mit Frauen. „Interessant“ ist so ein Wort meiner späten Teenagerzeit, das ich, andere nötigend, meine Musik anzuhören, in diesem Zusammenhang oft hörte als Einleitung zu einem überstürzten Fluchtversuch. Mit jeder Faser meiner Existenz wollte ich Musiker sein. Mit jeder Möglichkeit elterlicher Macht wollte vor allem mein Vater das verhindern. Andererseits musste ich endlich mein Asthma loswerden, um auch wieder auf eine Bühne treten zu können, ohne gleich zu ersticken. Und so fand sich der Kompromiss des Medizinstudiums, so ausformuliert, dass ich alles tun und lassen konnte, was ich wollte, solange ich bei diesem Studium ausgezeichnete Leistungen erbrachte. So entwickelte sich mein Leben von Kindheit an als skurrile Mischung aus medizinischen Selbstversuchen (wie ich ausführlich in meinem ersten Buch „Die Heilung der Mitte“ dargestellt habe), zumal mein Vater, selbst Arzt, meine Erkrankung vollkommen ignorierte, musikalischen Grenzerfahrungen und elterlich-gesellschaftlichen Kompromisskonventionen. Das Resultat war schließlich, dass ich in einem Medizin- und drei Musikstudien landete, wobei letztere bei mir den Eindruck hinterlassen haben, mir nie auch nur im Ansatz eine vernünftige Antwort für mein (zur damaligen Zeit vielleicht auch etwas unverständlich formuliertes) musikalisches Forschen gegeben zu haben. Was ich auf den Tod nicht ausstehen konnte war die Verschwendung der Zeit, womit gleich zwei meiner Lebensthemen angesprochen sind: Der Tod, den ich krankheitsbedingt immer als sehr nahe und fast freundschaftlich empfunden habe, und die Zeit: Durch die vielen Studien hatte ich immer das Gefühl, eines meiner Studien zu vernachlässigen. Ich musste mich oft in der Medizin sehr beeilen mit einer Prüfung, damit ich dann endlich wieder Zeit für das Klavier oder das Musikschreiben hatte. Ich entwickelte verschiedenste Strategien der Zeitoptimierung für mein Leben. So zum Beispiel übte ich das Klavierspielen auf eine sehr effiziente Art und Weise: Ich lernte zunächst die Noten am Schreibtisch auswendig, markierte mir dann die technisch anspruchsvollen Stellen und übte am Klavier zunächst nur diese. Das Stück habe ich dann im Ganzen erst für den Lehrer in der Klavierstunde oder beim Vorspiel auf der Bühne zusammengebaut. Mein Ideal des Klavierübens, nämlich während der Präsentation eines Stückes auf der Bühne dieses im gleichen Moment erstmalig und bis zur Perfektion zu spielen, habe ich bis heute nicht erreicht ... Mit 21 Jahren fühlte ich mich so unendlich alt und hatte doch noch kaum etwas geschaffen, was einer Nachhaltigkeit gleichkäme – mein Minderwertigkeitskomplex erachtete meine bis dato geschriebenen unzähligen Klavierstücke, Gitarrenstücke, Lieder sowie mein Musical, bezeichnenderweise als „Requiem“ benannt, als null und nichtig – so dachte ich damals. Ich musste einfach besser werden, den Leitsatz meines Vaters ständig im Kopf: „Egal, was Du machst, Du musst der Beste sein! Und wenn Du bei der Müllabfuhr landest, musst Du der Beste sein!“ (Ich frage mich heute, worin eigentlich mein Vater der Beste war ...?) Mit 20 Jahren zum Beispiel hatte ich mich alleine auf die Aufnahmeprüfung des Konservatoriums in Wien vorbereitet, einen Sommer lang, drei Monate, mehr Zeit wollte ich mir dafür nicht zugestehen. Die Kandidaten verließen so im Drei-Minuten-Takt den Vortragsraum, den Ort der Prüfung, oft tränenverschmiert (wie geht sich in so kurzer Zeit spielen und weinen aus ...?), den Vortragsraum. Als „W“ wie Weidinger kam ich ziemlich spät dran, sodass ich dieses Schauspiel lange befremdet beobachten konnte, und wunderte mich dann, dass ich eine Stunde lang vorspielen durfte, ein Stück nach dem anderen, und noch mehr, als ich ein paar Tage später erfuhr, dass ich einer von 14 Kandidaten war (von insgesamt 627 Kandidaten), welche einen Platz in einer Klavierklasse bekamen. Nach einem Jahr wollte ich mehr und begann mit meinem Kompositionsstudium. Aber dort war auch nicht mehr für mich zu holen, und so fand ich schließlich auf der Musikuniversität das Studium der Elektroakustik, das wie ein Spielplatz für Menschen mit komischen musikalischen Ideen und Träumen war. Plötzlich war Musik ganz modern, nicht mehr nur ein Herumwühlen in der Musikgeschichte, sondern ganz aktuell mit Computerprogrammen zur Klangerzeugung und -verarbeitung und ausufernder Studiotechnik. Und die Musik, die wir erschufen, wurde erstmalig wertfrei betrachtet, nicht wie im Klavierstudium, wo die „perfekte Technik mit der perfekten Interpretation“, die auch ständig mit anderen verglichen werden konnte und auch wurde, angestrebt wurde, nicht wie im Kompositionsstudium, wo mein erster Lehrer mit einem Rotstift „Falsches“ durchgestrichen hat, weil es „zu tonal“ oder „zu sehr an den und den erinnernd“ oder „zu banal“ oder was immer war. Im konventionellen Musikstudium  ging es nie darum, ob die Musik jemandem „gefällt“ oder jemanden „berührt“, sondern nur darum, ob sie „richtig“ war, wobei einzig die Lehrenden das Monopol hatten, zwischen richtig und falsch zu entscheiden. (Übrigens gibt der Roman „Die Klavierspielerin“ von Elfriede Jelinek ein sehr gutes Stimmungsbild des Wiener Konservatoriums vor etwa 35 Jahren, ein Gefühl, das ich noch gut vom Konservatorium ein paar Jahre später kenne ...) Nicht so in der Computermusik. Da war auf einmal alles erlaubt, jeder Stil, ob Pop oder klassische Moderne, ob experimentell oder ein Auftrag eines Theaters oder einer Disco. Was zählte, waren die Qualität und das handwerkliche Können. Damals feierte ich auch meine ersten Wettbewerbsgewinne als Komponist, wenn auch das angesprochene Publikum klein, fein und leider an den Fingern einer Hand abzählbar war. Musik war nun keine Sprache mehr, die alle verstanden, obwohl ich doch so gerne erzählen und berühren wollte. Was blieb, war „interessant“. Das Leben passierte mit mir, angetrieben durch meine Neugier und den Wunsch, endlich gesund zu sein, den Traum des Geschichtenerzählers noch immer vor meinem geistigen Auge. Ich begann mit Worten zu schreiben, um Menschen begreifbar zu machen, wie der Körper funktioniert und was man tun kann, um gesund zu werden und zu bleiben, etwas, was ich in der harten Schule des „Ausprobierens und Schauens, was passiert“ meines Lebens von Kindheit an erlernen musste. Und ich schrieb über das Glücklichsein, wie man über einen gesunden Körper glücklich werden kann! Und ich wurde und werde gehört! Heute ist für mich der Spielplatz des elektronischen Musikmachens weit weg und schon lange her. Mein neuer alter Spielplatz ist das Klavier. Ich finde zu meinen Wurzeln zurück und darf heute in Konzerten und mit Aufnahmen Menschen berühren, so wie Sie mit dieser CD. Ich darf all jene Stücke spielen, die mein Leben und mein Werden geprägt haben. Zum Beispiel brachte mich eine meiner Klavierlehrerinnen am Konservatorium, Pia Söndergaard, auf Lili Boulanger, mit der ich mich heute tief verbunden fühle.  Ich war etwa 20 Jahre alt, als mir meine Eltern eine Schallplatte aus Frankreich von Ravels Klavierkonzert in G-Dur mitbrachten. Den Moment, als ich zum ersten Mal das Thema des ruhigen Satzes hörte, werde ich nie vergessen. Dieses Empfinden hoffe ich, für Sie, liebe Zuhörer, eingefangen zu haben (soweit man das ohne Orchester bei diesem Adagio kann ...). Schubert ist natürlich aus meiner Teenager-Zeit, ebenso wie all die Préludes von Debussy und die einzigartige Musik von Satie, nicht wegzudenken. Chopin mit all seinen wunderbaren Konzertetüden und seinen hochemotionalen Preludien haben mein Klavierstudium genauso geprägt wie schon Bach und auch Hindemith (was ich bereits als meine „Bach-Hindemith-CD verarbeitet habe ...). Und so schreite ich in der Vergangenheit der Musikgeschichte und auch meiner eigenen voran und entdecke eine „Blüte“ nach der anderen. Mit schnellem Tempo nähert sich mein fünfzigster Geburtstag und so ist es nicht verwunderlich, auch in Hinblick auf meine musikmedizinische Vergangenheit, dass ich wieder einmal abrechne, zwischenbilanziere und mit den Schicksalen der „großen Musiker“ dieser CD vergleiche. Noch immer rennt mir die Zeit davon, aber zum Glück schon ein bisschen langsamer. Wieder einmal wird mir bewusst, dass all das, was jemand im Leben erlebt und erleidet, sich unweigerlich in der Musik des jeweiligen Erschaffenden widerspiegelt ...:

Franz Schubert war schon ein paar Jahre tot, als Robert Schumann dessen Bruder Ferdinand besuchte. Ferdinand zeigte ihm Werke aus dem Nachlass, unter anderem die C-Dur-Symphonie. Tief bewegt von dieser großen Musik setzte sich Schumann für Schuberts Werk ein. Unter anderem wurde die C-Dur-Symphonie („Die Große“) 1839 im Leipziger Gewandhaus uraufgeführt, elf Jahre nach Schuberts Tod. Franz Schubert wurde 31 Jahre alt. Seine Krankheiten: Syphilis, an deren Spätfolgen er bis zuletzt laborierte, die ihn schwächte und so Raum für Typhus (damals als „Nervenfieber“ bezeichnet) gab, an welchem er 1828 verstarb. Die Impromptus schrieb er im Jahr vor seinem Tode. Sein Impromtus op. 90, Nummer eins (ID 10) überzeugt durch seine Unbeirrtheit, geradlinig und ohne zu schwanken in einem großen vereinenden Rhythmus festen Schrittes voranzuschreiten. Dabei begegnet uns all das, was Schuberts Musik so einzigartig macht: die Klarheit, die unverblümt Gefühle in uns entstehen lässt, ohne viele Noten, ohne viel romantisches Beiwerk, der widerspruchslose Wechsel zwischen Dur und Moll, zwischen „lieblich“ und „betrübt“, die Einfachheit, die mehr einem Weglassen unnötiger Töne entspricht als einer volkstümlichen Naivität. Robert Schumann wurde 46 Jahre alt, geboren 1810, im gleichen Jahr wie Chopin, dem er auch große Bewunderung zollte. Seine ewige Zerrissenheit, nach ein paar Semestern der Jurisprudenz von der Schippe gesprungen, als Dichter und Philosoph einerseits, besessener Pianist und Komponist andererseits hört man auf dieser Aufnahme schön im „Intermezzo“ des „Faschingsschwanks aus Wien“ (ID 5), geschrieben in Wien, vollendet in Leipzig. Aus den „Kinderzenen op. 15“ hört man auf dieser CD eine seiner berühmtesten Stücke, die „Träumerei“ (ID 4). Schumanns Krankheiten: wahrscheinlich auch wieder Syphilis, welche psychische Krisen und Suizidversuche bereits mit 23 Jahren erklären würden. Über die Jahre litt Schumann an Depressionen, „Gehöraffektionen“ (Töne, Akkorde und ganze Musikstücke tönten in seinem Kopf und ließen den Schlaf schwinden), Manie und Wahnvorstellungen. 1854 wurde Schumann nach einem in suizidaler Absicht durchgeführten Sprung in den Rhein, aus dem er errettet wurde, auf eigenes Verlangen in eine „Anstalt für Behandlung und Pflege von Gemütskranken und Irren“ in Endenich bei Bonn eingeliefert. Dort verstarb er, nach Essensverweigerung, völlig alleine, am 31. Juli 1856. Die romantische Klaviermusik hat niemand so geprägt wie Frédéric Chopin. Geboren wurde er 1810 im Herzogtum Warschau als Sohn einer Polin und eines Franzosen. Mit 20 Jahren verließ er Polen, um als Pianist in Paris, der musikalischen Metropole des 19. Jahrhunderts, Furore zu machen. All seine Kompositionen schließen das Klavier mit ein. Chopin erweiterte die Harmonik um hochdramatische Sequenzen, schrieb virtuoseste Passagen für das Klavier und wagte sich in bis dahin nie gehörte ekstatische musikalische Höhen, dafür beispielhaft auf dieser CD die drei Etüden op. 25, Nr. 1 (ID 2), op. 10, Nr. 3 (ID 7) und op. 10, Nr 9 (ID 9). Das Prélude op. 28, Nr. 4 (ID 3), sowie das Nocturne op. posthume 72, Nr. 1 (ID 16), sind wunderbare romantische Stimmungsbilder, das Prélude op. 28, Nr. 1 (ID 15) beginnt in einer naiv-romantischen Stimmung mit monotoner Rhythmik, welche  im Mittelteil als ekstatisch kompromisslose Urkräfte hervorbrechen, die wohl heutige Filmmusikkomponisten wie Hans Zimmer tief inspiriert haben, um dann im dritten Teil den ursprünglich als naiv-monoton empfundenen ostinaten Rhythmus des ersten Teiles in einem ganz anderen Licht schimmern zu lassen ... Frédéric Chopin wurde 39 Jahre alt. Seine Krankheiten: Tuberkulose und eine Pericarditis (Herzbeutelentzündung), die nach neuesten Erkenntnissen seinen Tod 1849 herbeigeführt hat. Wechseln wir zu den „Langlebigen“ auf dieser CD, die also das 50. Lebensjahr überschreiten durften: Sechs Jahre nach Schumanns Tod kam Claude Debussy (1862) in Saint-Germain-en-Laye in Frankreich zur Welt. Claude studierte ab dem 13. Lebensjahr am Pariser Konservatorium, primär mit der Absicht, Klaviervirtuose zu werden. Ein Freund und musikalischer Begleiter auf der Suche nach der Überwindung der gängigen musikalischen Konventionen war Eric Satie. Während Debussy die romantische Tradition fortsetzte und das Neue in Komplexität, Verschleierung von Rhythmik und dem Einsatz neuer Tonleitern wie der Ganztonleiter suchte, wählte Satie den Weg der Reduktion, Vereinfachung und Formlosigkeit, wie man bereits in dem Frühwerk der Gymnopédies (auf dieser CD Nr. 1, ID 11) erkennen kann. Sehr schöne Beispiele auf dieser CD für das Vortasten Debussys in neue romantische Gefilde sind drei der Préludes: „Voiles“ („Segel“, ID 12), bei dem man den Eindruck gewinnt, der Pianist hätte drei Hände, „Des pas sur la neige“ („Schritte im Schnee“, ID 13) sowie „La fille aux cheveux de lin“ („Das Mädchen mit den Flachshaaren“, ID 14). Debussy versieht seine Prélude mit einer Nummer am Anfang und schreibt den Titel des jeweiligen Stückes klein und in Klammer an das Ende des Stückes, wohl, um nicht programmatisch zu wirken und dem Zuhörer seine eigenen Bilder im Kopf entstehen zu lassen. Diese CD beginnt übrigens mit dem wohl bekanntesten Stück Debussys, dem „Clair de lune“ aus der „Suite bergamasque“ (ID 1). Diese Suite hat Debussy 1890 geschrieben. Sie wurde aber erst 1905 veröffentlicht.  Sie zeigt, wie tief Debussy in der späten Romantik von Richard Wagner und Giuseppe Verdi verankert ist. Debussy wurde 55 Jahre alt. Seine Krankheit: Im Alter von 46 Jahren (1909) wurde bei Debussy Darmkrebs festgestellt. 1915 ließ er sich operieren, wobei diese Operation keine Besserung seines bereits deutlich angegriffenen Gesundheitszustandes brachte. Im letzten Jahr des ersten Weltkrieges, am 25. März 1918, erlag er seiner Krankheit. Satie wurde übrigens 59 Jahre alt. In seiner Einfachheit und Klarheit blieb er einzigartig in der Musikwelt. Sein Laster wurde auch sein Todesurteil: Satie war Alkoholiker, was ihm eine „Leberverhärtung“ bescherte. Die Todesursache am 1. Juli 1925: Leberzirrhose, kompliziert durch Pleuritis (Rippenfellentzündung). Der am längsten Lebende auf dieser CD ist Maurice Ravel. Er wurde 1875 in Ciboure in Frankreich geboren. Mit 14 Jahren wurde er an das Pariser Konservatorium aufgenommen mit dem ursprünglichen Gedanken, Pianist zu werden. Doch auf Grund seiner Faulheit musste er die Meisterklasse bald wieder verlassen. Mit 22 Jahren kehrte er ans Konservatorium zurück, um Komposition bei Gabriel Fauré zu studieren. Er wollte im ersten Weltkrieg dienen, war jedoch zu klein, um als Soldat anzuheuern und trat 1915 in den Sanitätsdienst ein. Seine Musik trägt den Impressionismus und die Romantik tief in das 20. Jahrhundert hinüber. Ein Beispiel dafür ist das Adagio des Klavierkonzerts in G-Dur, geschrieben in den Jahren 1929–1931, auf dieser CD als Klavier-Solo-Kurzversion, bei der ich den Bogen des Themas an der Stelle zu einem Ende führe, an der in den Originalnoten das Orchester mit einer Flöte einsetzt (ID 8). Tief, innig und bewegend ist diese einfache, klare Melodie. Maurice Ravel wurde 62 Jahre alt. Seine Krankheiten: In seinen 40er Jahren begannen unerträgliche Kopfschmerzen und Schlaflosigkeit, welche verschiedensten Formen neurologischer Erkrankungen (wie Demenz oder der Demenzform Morbus Pick, einem Hirnschlag oder einem Hirntumor) zugeschrieben wurden. 1932 hatte Ravel als Taxigast einen Autounfall, welcher ihm eine Läsion der linken Großhirnrinde hinterließ, welche zu Sprach- und Auffassungsstörungen  führte mit der Konsequenz, dass Ravel keine Musik mehr machen oder schreiben konnte. Am 17. Dezember 1937 unterzog sich Ravel einer Schädeloperation auf Grund des Verdachts auf einen Gehirntumor, der sich nicht bestätigte. Äußerlich sah man bei geöffneter Schädeldecke lediglich eine Senkung der linken Hemisphäre, welche man mit einer Seruminjektion (!) zu behandeln suchte. Ravel erwachte nach der Narkose, um kurze Zeit später in ein tiefes Koma zu fallen. Er verstarb am 28. Dezember 1937. Tragisch und jung verstorben ist Lili Boulanger, geboren 1893 in Paris. Aus einer Musikerfamilie stammend hatten Lili und ihre Schwester Nadia von klein auf Kontakt zu Musikern, Schauspielern, Dichtern und Schriftstellern. Von klein auf litt Lili unter einer „chronischen Bronchialpneumonie“ sowie einem Morbus Crohn (einer chronisch entzündlichen Darmerkrankung). Mit sechzehn Jahren fasste Lili den Entschluss, Komponistin zu werden. Mit 19 Jahren gewann sie als erste Frau, und das auch noch in diesem jugendlichen Alter, den wichtigsten Kompositionspreis Frankreichs, den „Grand Prix de Rome“, wodurch Lili über Nacht berühmt wurde. Wie besessen und als ob niemand sie aufhalten konnte, komponierte sie ohne Unterlass bis zu ihrem Tode am 15. März 1918 (zehn Tage von Debussys Tod). Sie verstarb vierundzwanzigjährig. Auf dieser CD spiele ich das tief berührende Stück „D’un vieux jardin“ („Von einem alten Garten“, ID 6), das Lili Boulanger mit 20 Jahren komponierte und eine Tiefe, Reife und Ernsthaftigkeit zeigt, die in der französischen Romantik verankert ist. 1917 erhielt sie noch eine Blinddarmoperation in der Hoffnung, diese könne ihre Bauchschmerzen und das ständige Fieber lindern. Jedoch wurde sie immer schwächer, langsam hauchte sie das Leben aus. Zuletzt diktierte Lili ihrer Schwester Nadia ihre letzten Werke. Nach Schilderung Nadias starb Lili „friedlich und gelöst“. Der Todestag von Lili Boulanger jährt sich heute, am 15. März, nun zum hundertsten Male (kurz vor dem hundertsten „Jubiläum“ des Todestages von Debussy am 25. März, dessen auch brav gedacht wird ...), weshalb ich ihr, „meiner Schwester der Lungenschwäche im Geiste“, diese Aufnahme widmen möchte ...

Das Leben passiert, unweigerlich, für uns alle. Gerade deshalb sollten wir nie aufhören zu träumen, sollten unsere Träume niemals vergessen, sollten wir immer die Erfüllung unserer Träume anstreben. „Sag mir, wovon du träumst, und ich sage dir, wer du bist!“, ist eine schamanische Weisheit. Ich habe das große Glück, heute mit fast 50 Jahren, ein unendlich reicher Mensch zu sein, nicht reich an Geld, das haben heute andere (aber das ist eine andere Geschichte ...), aber reich an Leben, an lieben Menschen um mich herum, an Kindern, reich, weil meine Frau neben mir liegt, wenn ich in der Früh aufwache, reich, weil alle gesund sind und ich auch, reich, weil ich frei bin zu tun, was ich möchte und reich, weil ich mich heute in mein Klavierstudiozimmer zurückziehen, üben und spielen kann wie und was ich will, und reich, weil Sie, liebe Zuhörerin und lieber Zuhörer, sich das Ergebnis anhören und ich Ihnen damit die Geschichte meines Lebens und all der Komponisten erzählen darf, deren Stücke ich hier spiele ...! (English version of this text coming soon!)

Georg Weidinger                                                                     Forchtenstein, am 15. März 2018

18.) new digital edition: Into the Light (Concert for Piano, Voice and Live-Electronics), (klaviermusik.at, ff007, 2018, EAN 0635131911651)

For information see below: 8.) INTO THE LIGHT (ff007, 2008)

17.) new digital edition: 95-99: Verschränkungen, Elektroakustische Musik (klaviermusik.at, ff004, 2018, EAN 0635131911644) 

For information see below: 1.) 95-99 (ff004, 1996-99) 

16.) new digital edition: Burn! Concerto for Piano and Live-Electronics (klaviermusik.at, ff006, 2018, EAN 0635131911637') 

For information see below: 6.) BURN! (ff006, 2001) 

15.) BACH - HINDEMITH (klaviermusik.at ff009, Audio-CD release 21st of April 2017, digital release 30th of April 2017) EAN 0635131911606

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